Suivez toutes les actus du festival ! Cette année il se tiendra du 25 octobre au 1er novembre.
Après Wakamastu, c'est autour du cinéaste Edward Yang de prendre place dans les salles de la Cinémathèque Française jusqu'au 20 décembre. Disparu en 2007, le réalisateur était une des figures de la nouvelle vague taïwanaise aux côtés de Hou Hsiao-hsien.
Cela faisait un moment que je ne m’étais pas autant sentie portée par un récit. Je ne peux pas vivre sans toi / Bu neng mei you ni (2009), premier essai de Leon Dai, se révèle être une œuvre bouleversante, percutante, d’un esthétisme déconcertant (un sublime noir et blanc).
Li élève seul sa fille Mei. Depuis le départ de sa mère, ce dernier tente de mener une vie descente en cumulant les petits boulots. Un jour, les services de police lui rendent visite et lui conseillent de scolariser la fillette. C’est alors le début d’un long calvaire administratif...
Si cette beauté - celle des sentiments - est la première qui marque, il y a dans ce premier long métrage une facette bien plus sombre, résultant de ce qui pourrait s'apparenter à une aberration administrative. A l’instant où monsieur Li voudra inscrire Mei, il se verra confronter à de multiples obstacles et regards méprisants. Car monsieur Li est un “père célibataire”, qui a élevé seul son enfant “non déclaré” et qui n’a par conséquent aucun pouvoir légal. Des coups d’épée dans l’eau, c’est ce que va connaître ce père qui n’a d’autre désire que de vivre paisiblement avec sa fille. De là, va naître une incompréhension grandissante, une colère refoulée puis un acte de folie comme unique cri de détresse. Car ce père aimant ne parvient pas à comprendre la rudesse de cette administration, qui le balade de service en service, de ville en ville. Il comprend encore moins pourquoi ce système souhaite lui enlever ce qu’il a de plus cher, alors que paradoxalement la fillette n’a nul attache que lui-même. Du cadre légitime à la raison, le faussé est parfois profond semble nous suggérer le cinéaste. Finalement, la logique n’existe pas, tant que l’on ne rentre pas dans le cadre administratif prédéfini. Peu importe les raisons et les situation invoquées, les exceptions n’existent pas et les manquements aux règles ne sont pas admis. Leon Dai dresse un portrait critique qui interpelle et marque, non pas par la colère première qu’elle pourrait susciter mais sa grande sensibilité. Avec un style épuré et sans artifice, l’auteur tente d’être au plus proche de ses sujets et parvient ainsi à communiquer une émotion juste.
Yi Yi (2000) d’Edward Yang prend le temps de s’arrêter sur une famille taiwanaise à Taipei. Le cinéaste met alors en scène le portrait de la famille Jiang à travers trois de ses membres NJ, le père, Ting Ting, la fille aînée et Yang Yang, le fils de huit ans. Ces personnages s’interrogent alors sur eux-mêmes tout en se remettant en question. Le cinéaste connu comme l’une des figures de la nouvelle vague taiwanaise capte des moments de vie succincts dont ses principaux protagonistes font face à la mort, au mariage, à la naissance mais aussi au premier amour lorsqu’ils ne se voient pas confronter au monde professionnel ou scolaire.
Yi Yi respire la vie, ces petits moments par lesquels tout être humain passe. Le questionnement de soi, les doutes mais également l’adversité face aux évènements imprévus. Ce qui frappe en visionnant cette œuvre qu’Edward Yang met en scène, avec une beauté formelle, ce sont les trois personnages phares qui auraient pu être un même et seul individu à des époques différentes. Le quadragénaire, l’adolescente et l’enfant. Trois étapes de la vie remplies d’une multitude « d’étapes » qui nous fait grandir et nous construit. Mais Yi Yi ne serait rien s’il restait sur le seul point de vue individuel. Car dans le film, l’individu existe aussi et surtout par l’association avec l’ autre et l’échange qu’il entretient. On suit dès lors un rapport tout particulier de l’individu face à lui-même mais également par son rapport à autrui. L’association de deux individus, la dualité aussi, ce rapport Edward Yang le met en image par de nombreux jeu de reflets : le miroir, la vitre...
Yi Yi est un film à la fois simple et complexe. Simple parce qu’il parle de la vie. Complexe parce que la vie l’est tout autant. La structure de Yi Yi cache aussi un travail d’écriture qui approfondit la curiosité du spectateur : l’agent perturbateur qui empêche tout rapport en triumvirat. La femme de NJ s’efface pour que ce dernier retrouve son premier amour, il en va de même pour Ting Ting dont l’amie et voisine s’efface au gré des circonstances pour qu’elle puisse jouir d’une relation avec Bouboule jusque là vécu par procuration. Yi Yi est une œuvre simple en apparence mais qui cache la complexité d’une grande œuvre. Une œuvre sur la vie, une œuvre humaine qui s’avère douce et tragique, heureuse et amère. Un témoignage sincère et distancié, presque pudique où l’émotion prime. Yi Yi fait partie de ces rares œuvres que les mots ne suffisent pas à exprimer. Les images, les situations qu’elles dépeignent parlent pour elle.
Kao, Bian alias « Tête d’obus » et la petite amie de ce dernier vivent de menus larcins. Ils vont et viennent entre Taipei et la campagne taiwanaise. Kao, amoureux rêve d’arrêter cette vie de voyou pour ouvrir un restaurant à Shanghai…
Hou Hsiao Hsien développe un sens de l’espace qui confère à une contemplation spécifique celle qui s’abstrait de toute dramaturgie. Il y a dans Goodbye South, Goodbye une lenteur enivrante qui nous invite dans cette apesanteur éthérée. Une œuvre sublime faite de chose simple de la vie : boire, manger, conduire,… Des choses simples, communes à tous mais pourtant qui révèlent un attrait dont la mise en scène communique toute la dimension d’une œuvre qui marque, resplendit par l’étendue humaine qu’elle confère. Une œuvre envoûtante et des plus importantes de la filmographie de Hou Hsiao Hsien. Mirifique.
Dernier film du cinéaste taiwanais à ce jour, Visage (2009) de Tsai Ming-liang prend place en grande majorité en France, au Musée du Louvre. On y suit un tournage où un réalisateur Taïwanais met en scène l’histoire de Salomé, le rôle du roi Hérode étant tenu par Jean-Pierre Léaud. On suit les péripéties de ce tournage tout particulier…
Le Cinéma de Tsai Ming-liang n’est pas facile d’accès, un cinéma contemplatif peu enclin à ravir nombre de personne. Il est aussi perçu comme un cinéaste élitiste parce que ses œuvres représentent un certain cinéma d’auteur. Si son Cinéma ne parle pas aux plus grands nombres, force est de constater que cela ne peut aller que de mal en pis avec Visage. Cette œuvre pourrait être celle d’un artiste qui serait tomber dans les travers de son art, de son style qui le caractérise tant. Un accident de parcours qui voit le cinéaste partir en tête à queue vers les méandres d’un cinéma d’esbroufe. Visage apostrophe son spectateur mais pas forcément dans le bon sens. Malheureusement pour nous et pour lui. Et comme cela arrive à tout cinéaste, on peut mettre en scène de temps en temps, une oeuvre mineure, une œuvre qui ne marquera pas, ou à oublier le plus vite possible. Visage serait de ces oeuvres. Tsai Ming-liang a rêvé d’une œuvre cinématographique pour les musées (les films qui côtoieraient les tableaux de maîtres) et bien j’ai envie de lui dire qu’il se trompe, si son souhait est celui de prendre cette direction, elle accuse un manque total de recul et de jugement.
Visage est une énorme déception tant on attendait de ce cinéaste apprécié à Made in Asie, pour son talent et ce Cinéma si singulier. S’il n’a pas toujours réalisé des œuvres valant le détour, Tsai Ming-liang jouissait d’un univers propre qu’il avait jusqu’ici su faire partager. S’il conserve dans Visage cet univers distinctif, c’est sur sa façon de communiquer ses envies qu’il échoue. On peut aimer nombre de ses œuvres et tomber des nus devant une œuvre qui se veut une reproduction de son travail antérieur. Il y a du The Hole (1997) dans Visage mais aussi du I don’t want to sleep alone (2006). On retrouve son double à l’écran sous les traits de Lee Kang-shen qui perd ici sa mère après avoir perdu son père dans Et là-bas, quelle heure est-il ? (2001). Une autre œuvre à laquelle il fait référence ici comme si son cinéma était devenu celui de la copie (sa propre copie avariée) en évitant celui du mimétisme. Esthétiquement, Visage est beau avec une mise en scène qui est celle de son auteur, on reconnaît la touche, la patte qui est la sienne, il n’y a aucun doute à ce niveau. Pourtant, le cinéma c’est aussi des histoires. Et une histoire, il en manque cruellement dans Visage.
Il y a de grande chance. Le résultat ? On reste dubitatif, même devant de grands noms du Cinéma français. Jean-Pierre Léaud (un acteur que j’adore) peine et on en a mal pour lui. On a envie de se lever et de tout arrêter pour dire stop, cessons cette ignominie du jeu, du cinéma. Laetitia Casta joue comme dans une pub pour parfum ou d’une grande enseigne de prêt-à-porter, affligeant. S’en est triste, et associer trois égéries de François Truffaut dans un même plan ne changera pas la donne, Visage souffre considérablement de consistance. Et peindre des tableaux sur pellicule (la façon dont TML définit son Cinéma) n’est pas tout. Alors quel sentiment garde-t-on à l’esprit ? Le sentiment de s’être fait avoir. Le sentiment que TML se moque de nous en mettant en scène une œuvre égoïste qui n’a ni queue ni tête. Un patchwork d’images, rien d’autre.
Visage accumule les fautes de mauvais goûts avec des scènes discutables pour ce qui s’y passe et la façon dont c’est jouer. Laetitia Casta avec son rouleau adhésif noir ! Plus jamais ça. Passons. Pour ma part, je garderai en mémoire l’un des moments les plus réussi avec cette inondation en début de film qui voit Lee Kang-shen se battre contre l’élément qui définit le plus TML, l’eau. Visage ce n’est rien de moins que le naufrage d’une œuvre dans un caniveau parisien qui coule inexorablement vers et dans les égouts, pour s’y perdre à jamais et nous avec.
