Le facteur de Shangri-La, YU Zhong [Festival du cinéma chinois]

Arrive la première surprise du festival du cinéma chinois 2009 avec Le facteur de Shangri-La (2007) de YU Zhong, un long métrage à la fois poétique et rempli d’humour. Le facteur de Shangri-La c’est l’histoire vraie d’un facteur Wang Dahe qui sillonne les paysages reculés d’une chine lointaine. Un homme qui a déjà parcouru en 21 ans près de 260 000 kilomètres.

YU Zhong s’attarde sur le portrait de cet homme mais plus encore sur le rôle qu’il tient dans ces régions reculées, où sa fonction va plus loin que le simple fait de remettre des lettres. Wang est habité d’une mission à chacun de ces arrêts, tantôt celui d’animer un village et de donner le sourire à des enfants, tantôt celui de réconforter une âme solitaire. En tout état de cause, cet homme représente bien plus que son apparent métier, il est le lien qui unit chacun de ces paysans à des parents ou tout simplement avec la vie. Car plus que le lien, Wang est la vie, il apporte à ces « destinataires » une distraction par le réconfort, les discussions ou le service rendu. Cette mission qu’il prend à cœur est indéniablement motivée par le rapport humain qui se crée à chacun de ces déplacements.

Pour aller plus loin dans le témoignage, le cinéaste dépeint le rapport à la nature ; ce rapport qui unit cet homme à la vie. Du périple du facteur se traduit la solitude. Une solitude que seul son fidèle compagnon Jinglong (un cheval), ces cochons et la nature peuvent palier. A l'image de ce que Wang représente pour ces paysans, la nature est ici le moteur qui l’aide à vivre la solitude plus sereinement. Finalement, elle se veut public des milliers de kilomètres parcourus, de l’effort physique et des états d’âme du facteur. On repense au plan où Wang lit le journal à son cheval jusqu’à la tombée de la nuit.

Yu Zhong enfante une œuvre magique par ces paysages sauvages et le récit de cette vie exceptionnelle, qu’a menée Wang. Plus que l’histoire, c’est davantage un témoignage qui est porté dans ce long métrage où l’on suit le périple de ce petit bout d’homme. Un personnage attachant et une gueule, un acteur magistral portant toute la force de ce qu’est la générosité par le sacrifice et le don de soi. Une œuvre encore méconnue en France mais dont le mérite a été récompensé au Festival International du Film de Montréal en 2007. A voir absolument !

Lettre d'une inconnue [Festival du cinéma chinois 2009]

Jinglei Xu, réalisatrice et actrice chinoise fait son entrée au festival du cinéma chinois avec Lettre d’une inconnue / A Letter from an Unknown Woman (2004). Le long métrage met en scène une jeune adolescente sous les traits de Jiang, éprise d’un écrivain, qui n’est autre que son voisin. Un homme cultivé et mystérieux qui se révèle être un véritable don juan.

Lettre d’une inconnue c’est l’amour que portera Jiang à travers le temps, un amour qui ne cessera d’exister et pour qui elle existera. C’est en premier lieu, la naissance d’un amour dans le cœur d’une jeune adolescente puis le drame d’une femme lorsque cet amour consommé se verra effacé par un homme séducteur dont l’engagement et les promesses seront vaines.

Le parti de traiter l’amour dans les yeux d’une adolescente est une idée enthousiasmante car rare. Le film est plutôt réussi car retranscrit subtilement l’émotion et les sentiments grandissants de la jeune Jiang. La réalisatrice nous livre une première partie sublime avec une belle maîtrise des cadres et des sujets. La seconde, nous plonge dans un univers plus mondain et superficiel, créant une ambiance bien moins intimiste et de mon point de vue moins touchante que la première. Jinglei Xu nous livre un bon long métrage, loin tout de même du chef d’œuvre.

Face : Renaître

Comédie dramatique japonaise de Junji Sakamoto, Face / Kao (2000) est le portrait d’une femme en cavale, une cavale qui se révèlera comme un parcours initiatique. Une femme en cavale donc qui passe d’un statut d’assisté à celui de femme libre. Une femme allant au-delà de ses peurs face à chaque épreuve de ses nouvelles vies.

Masako est une trentenaire complexée par son physique, renfermée sur elle-même et constamment en proie aux railleries de sa sœur, Yukari qui a honte d’elle. Cette dernière est hôtesse dans un bar de la capitale. Il lui arrive de rendre visite à sa famille qui tient une blanchisserie. Après le décès de leur mère, Masako dans un accès de folie tue Yukari. Elle s’enfuit avec les dons funéraires et commence alors un voyage dans le Japon…

Jolie surprise que cette œuvre : Face. L’œuvre de Junji Sakamoto est une réussite maîtrisée de bout en bout. Il fait évoluer le personnage de Masako avec une force et une conviction toute tranquille. Masako, lourdaude est une femme avec l’innocence d’un enfant. Une enfant qu’elle est encore, vivant chez sa mère, reclus dans sa chambre, loin de l’émancipation et qui contraste avec sa sœur, femme libérée de la famille. Il va falloir un élément déclencheur pour que le monde de Masako change et l’oblige à changer, la mort de sa mère sera cet élément. Masako, toujours en conflit avec sa sœur tue cette dernière. Commence alors ses pérégrinations. C’est une fois qu’elle part du cocon familial que Masako devient une nouvelle femme. Elle se responsabilise en se prenant en main et en s’obligeant à prendre des décisions. Elle devient une nouvelle femme à mesure qu’elle avance dans sa cavale. Elle devient cette nouvelle femme en s’ouvrant au monde à travers ses rencontres qui lui apprendront l’amitié ou bien encore l’amour.

Face c’est la renaissance d’une femme à chaque rencontre, à chaque nouvelle vie empruntée, à chaque nouvelle fuite pour partir loin, s’enfuir de l’emprise d’un passé qui voudrait l’enfermé dans le carcan avilisseur. Elle est une nouvelle femme, emprunt de liberté, garante de l’instinct de survie. Elle a soif de bonheur, un bonheur souvent éphémère dans cette tragédie qu’est la sienne. Elle devient une autre en rompant avec ses liens familiaux mais c’est avec un autre lien qu’elle souhaite s’accrocher, celui de son père qui l’amènera à s’en aller comme pour se donner un objectif dans sa cavale. Au bout, elle ne trouvera qu’un entrepôt vétuste, c’est à ce moment là que Masako pourra faire table rase du passé de manière définitive en allant d’un endroit à l’autre. Ce voyage lui permettra de la faire évoluer physiquement comme mentalement pour être enfin la femme qu’elle se rêvait, une femme prenant sa vie en main.

Face de Junji Sakamoto est une œuvre belle qu’on ne peut qu’inciter à voir et à faire partager avec le personnage principal de Masako touchant de vérité et de sincérité. Mirifique.

I.D.

City on Fire : Ville crépusculaire

Un classique du cinéaste hongkongais Ringo Lam aka Lam Ling-tung, City on Fire/Lung fu fong wan (1987) est un polar comme on les aime. Des personnages attachants et forts dont la psychologie passe en première ligne. Un polar de référence où l’action et le rythme ne désemplissent pas. L’œuvre culte de Lam se veut violente, dure empreinte d’une tragédie humaine inéluctable. Il y a comme un goût de fuite en avant, comme si les personnages engagés dans cette histoire étaient voués au désespoir, sans issue marqué par une fatalité qui les rattrape un à un. En effet, ils sont dans l’impossibilité d’échapper à leurs actes et à leur condition comme si la fatalité faisait d’eux des prisonniers. Ici, HK n’a jamais été aussi bien montré comme un énorme piège à rat dont chaque ruelle, recoin sont des impasses, des zones sans issues dont on ne peut s’échapper. On pense à Chow Yun-fat qui tente de semer les policiers à ses basques et à la scène finale du braquage de la bijouterie.

À la suite d'un assassinat en plein quartier populaire de Hong Kong, l'inspecteur Lau charge un de ses meilleurs flics d'infiltrer un gang de dangereux malfaiteurs. Ko Chow devient ainsi une "taupe". Il se lie d'amitié avec un braqueur implacable mais loyal, Lee Fu. Chow va être amené à réaliser un braquage sanglant…

City on Fire est un néo-polar mis en scène par l’un des cinéastes les plus Melvillien qui soit. Ringo Lam raconte l’histoire d’hommes, leur tragédie sur fond d’amitié, de trahison et de violence urbaine. L’œuvre est d’une noirceur propre au film noir, l’univers urbain sombre et glacial à l’image des personnages qui la composent. Il n’y a pas de héro, juste des types qui tentent de survivre tant bien que mal dans un microcosme crasseux.

Ringo Lam a cette facilité de mettre en scène un train qui avance avec vélocité jusqu’au déraillement ressenti dès les premières images, le tout étant de savoir quand ? Il s’associe pour se faire à deux brillants acteurs que sont Chow Yun-fat en flic infiltré désabusé et Danny Lee en gangster illettré. Le duo fonctionne à merveille, le personnage central de Chow Yun-fat réunissant à lui seul toute la souffrance d’un homme tiraillé entre le Bien et Mal. Affreusement seul, le personnage de Chow, isolé par son infiltration est en pleine confusion mentale, trahir l’amitié le hante jusque dans son sommeil. Il ne supporte plus sa situation et ne réclame qu’une chose : pouvoir démissionné. Une démission comme une échappatoire du crépuscule pour enfin partir et reconquérir une fiancée qui l’a quitté. La tragédie n’est plus qu’intense.

Avec City on Fire, Ringo Lam poursuit sa tétralogie des « on Fire » après celui consacré à l’univers carcéral, Prison on Fire (1987) et réalise l’un des meilleurs polars de l’histoire du cinéma.

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I.D.

Birdcage Inn : Seule [Kim Ki-duk]

Kim Ki-duk signe avec Bircage Inn / Paran daemun (1998) son 3ème long métrage après Crocodile et Wild animal. Ce film marque par des thèmes qui deviendront des références pour le réalisateur : la souffrance identitaire et sociale, la sexualité et la solitude, ces mêmes bases qu’il mettra en œuvre à travers des personnages particulièrement affectionnés depuis Crocodile (1996) : les marginaux.

Jin-ah, une jeune femme vit dans un motel tenu par une famille coréenne. L’entente qui les unit n’est pas explicite, mais on comprend que la jeune femme est avant tout un appât financier pour la famille, puisqu’en échange de ce logement elle se prostitue avec les clients du motel. La présence de la jeune femme n’est pas sans déplaire à Hye-mi, la fille des propriétaires qui ne cessera de montrer par des regards accusateurs et des gestes déplaisants la haine qu’elle porte envers cette dernière.

Kim Ki-duk perce la souffrance d’une jeunesse à travers Jin-ah et choque avec une insistance certaine, par des scènes de "coucherie" à foison où les actes conciliants flirtent avec les viols. Le ton est donné et la répétition des allées et venues dans ce miteux motel induit à un futur des plus sombre dans un univers où la sexualité masculine et le désespoir s’imposent. Jin-ah devient alors le symbole de toutes les convoitises masculines, convoitises malsaines alors qu’elle ne trouve que haine et pitié dans le regard de la gente féminine. Elle est désespérément seule dans sa condition d’inadaptée.

Birdcage Inn met aussi l’accent sur la relation complexe unissant deux femmes. Au début, envieuse de sa liberté de vie et de sa beauté, Hye-mi change sa position face à Jin-ah, devenant protectrice et lui confiant le trouble sentimental ressenti à son égard. Un optimisme va naître de cette réconciliation ; optimisme qui n’existe pas dans (la plupart) des œuvres de KKD. Jin-ah deviendra alors ce moteur créateur de lien permettant à cette famille de devenir une famille soudée et permettant également la découverte amoureuse.

La place métaphorique propre à KKD prend une dimension particulière lorsque qu’aux premiers instants Jin-ah bouscule une prétendue prostituée tenant un poisson rouge dans un sac plastique qu’elle fera tomber. Cette image marquera ce qui sera la condition de la jeune femme. A travers ce « poisson rouge », c’est l’enfermement dont il est question et l’inadaptation de Jin-ah à une vie normale. Mais la scène reflète un autre aspect qui est celui de la passation. En effet, KKD semble nous dire que l’une part et l’autre arrive. Jin-ah devient cette nouvelle prostituée, en sauvant le poisson de l’asphyxie, elle s’enferme dans ce que sera sa condition. Elle-même achètera un poisson qu’elle libérera dans l’océan, poisson qui sera le témoin privilégié de son épanouissement et de son bonheur.

Kim Ki-duk signe avec Birdcage Inn un film polémique tant sur les thèmes choisis que dans la façon dont ils sont traités. Peu importe, le style est là et on aime la manière dont il a d’user de la caméra comme pour percer la profondeur des sentiments et la souffrance de ces personnages.

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